科技與電子音樂交織的沉浸式體驗，一起深入探索 Anyma 的藝術世界！
在一個聲音與光影融為一體的世界裡，Anyma 的演出模糊了音樂與數位藝術之間的界線， 帶來不一樣的電子樂呈現。這場演出將電子音樂轉化為一場沉浸式的體驗，是多媒體藝術家與 DJ Matteo Milleri 的創意結晶。
你也許曾不經意地在社群平台上看過他的短片：Melodic Techno 的電音浪潮中， 龐大的機械人隨節奏呼吸，躍動着機甲的身驅，構成夢境般的畫面。舞台中心佇立著一個孤獨的身影，這位大師將數位世界與現實交織在一起。他的前方是一個控制台，宛如一座由電路系統搭建起的神龕，隨着聲音與視覺的編排發出閃爍的光芒。
觀眾們目不轉睛，隨着音樂一起沉浸與狂歡。不同於一般電子派對常見的混亂、醉意與吵雜聲，這場演出裡的每個人都全神貫注、投入其中。於拉斯維加斯 The Sphere 場館內，觀眾彷彿被包覆在 360 度的感官宇宙裡——一場將音樂會與數位裝置藝術的界線徹底模糊的沉浸式體驗。
這就是 Anyma，以音樂撩動靈魂，透過科技喚醒情感。
Anyma 是由音樂製作人和 DJ Matteo Milleri 創造出的混合機械角色，它不僅僅是一個名字，更是一種大膽的藝術革命——Milleri 將他的意念實體化，把 Anyma 打造成為匯聚聲音與影像的媒介。
它不僅是音樂上的新嘗試，更體現了 Milleri 的藝術風格——由他主導視覺藝術和創意指導方向。
這位 37 歲的意大利裔美籍藝術家，在當代電子音樂殿堂中占有一席之地。自 2021 年以來，他發行了一系列單曲和三張專輯——《Genesys》（2023）、《Genesys II》（2024） 和《The End of Genesys》（2025）—— 定義了旋律科技樂（Melodic Techno）的新時代。從在埃及吉薩大金字塔舉辦的壯觀《Quantum Genesys》表演，到在拉斯維加斯 The Sphere 創下駐場紀錄，他一次次證明自己是旋律科技樂最具前瞻性的創作者之一。
Anyma 這個名字源自拉丁文的「靈魂」（Soul），有什麼特殊意義？
我最初構想的 Anyma，是一個存在於現實與想像交界、尤其是實體世界與電子世界之間的個體。它也與「Animismo」（泛靈論）的概念有關：Animismo 相信一切物件、元素、創作皆有靈魂或意識。我希望以現代角度探索這種哲學，這就是 Anyma 的創作動機：為聲音賦予靈魂、為圖像賦予意識、為科技賦予情感。
你早期的藝術和音樂背景，如何促成了 Anyma 獨特的視覺和概念風格？
我從小就開始彈琴，這是我對音樂最早期的記憶。長大後，我對音樂製作產生了興趣，對於利用聲音及其能創造的世界更加著迷。Anyma 早期受到現代古典音樂家的啟發，如 Nils Frahm、ÓlafurArnalds、Jóhann Jóhannsson 與 Vangelis，Warp Records 以及 Aphex Twin 也是我重要的靈感來源。另一方面，我對視覺藝術和設計的喜愛，讓我意識到音樂可以超越單純的聽覺體驗。現在，任何讓我興奮的事物都可以是我的靈感。將這種二元性和平衡，體現在 Anyma 的視覺和概念層面。因此，Anyma 不只是我過去經驗的總和，更是我個人興趣持續演化的結晶。透過聲音與視覺，我以科技作為工具，不斷探索並實驗如何激發最深層的情感能量。
你的許多作品探討變化、重生和人類與機器人之間的主題。為什麼這些理念對你的品牌至關重要？
「變化」是 Anyma 的核心，也一直是我個人很着迷的主題。我們這個時代面臨重要的問題和挑戰：如何平衡人性與科技的快速進步。科技會對未來的人類經驗帶來什麼影響，未來又會是什麼面貌？這些想法受到科幻作品、機械人學和電子遊戲啟發，最能引起我的共鳴，更與現今的社會息息相關。
你以模糊音樂與數位藝術界線的表演方式聞名，創造出旋律與視覺敘事交織的沉浸式體驗。在創作新曲時，你的靈感來源是什麼？你會先從視覺構想出發，還是從旋律開始編織？
音樂與視覺在我的作品中是完全交織的，但每首曲子的誕生方式各不相同。有時旋律率先浮現，有時概念先行，而更多時候，兩者是同步生成的。在腦海裡，我會思考如何用視覺呈現一段聲音或和弦的流動。歸根究底，我的作品核心從不是為了營造單純的場景，而是描繪一個真實而複雜的世界——有故事、有角色——當然，最重要的始終是音樂本身。
你的團隊是怎麼運作的？你在整個過程中扮演什麼角色？
我們團隊在每個細節上都緊密協作，大部分表演元素都是由內部成員——包括創作者與合作夥伴——親手打造，最終組合成完整的視聽體驗。AI 的迅速發展不斷推動我們提升創作邊界，力求為觀眾帶來前所未有的沉浸式體驗。這是一個反覆迭代的合作過程，我深感自豪：無論場地、概念或時間有多大限制，團隊總能將作品完美呈現。
你在 Anyma 這個項目中遇到過最大的創意挑戰或風險是什麼？
在 The Sphere 的演出無疑是我迄今為止最大的一次冒險，也是職業生涯中最具挑戰性的里程碑。這個場館的深度與廣度迫使我重新思考每一個表演細節對觀眾的影響，因為它的沉浸感實在太強烈。同時，我必須確保科技手段不會掩蓋我想傳達的訊息與故事。我們希望將數位表現推向極致，卻仍保留那份親近與真實感。
你希望觀眾在現場體驗演出後帶走些什麼？
我希望觀眾能全身心投入演出，完全沉浸於另一個世界，透過表演帶他們踏入未曾想象的境地。我努力讓每場演出都獨一無二，呈現截然不同的體驗。我希望在情感層面觸動觀眾，讓我想傳達的故事在他們心中留下深刻的印象與持久的共鳴。
PRODUCTION CREDITS：
採訪— Caroline Suganda
攝影—Lenne Chai / B&A
編輯總監—Jumius Wong
創意總監—Jenine Oh
執行製作—Andrew Bear / HYPERION
儀容造型—Luca Falcioni
化妝—Candice Birns / A-Frame Agency
場景設計—Ester Song Kim
攝影棚經理—Chris Lewis
創意執行—Micaela Leon Perdomo / HYPERION
攝影助理—Chir Yan Lim, Nico Vargas, Cristina Martinez, Nathan Molina
造型助理— Adrian Jose Ramos Diaz
製片助理—Emma Hair
攝影棚—HYPE Studio
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本文改自：《GQ》香港版