當藝術走向世界｜與 Bluerider ART 創辦人 Elsa Wang 聊聊，如何把世界帶進台灣，並透過青年藝術家帶台灣走向國際？

當藝術開始跨越城市與文化，真正被改變的，往往不是作品，而是觀看的方式。Bluerider ART 創辦人王薇薇 Elsa Wang，從科技產業轉身進入藝術現場，十三年來建立起一條連結台灣與世界的路徑。從引進歐洲當代藝術，到將台灣創作帶往倫敦，她所關注的始終是作品如何被理解，於是在 2026年，睽違八年重啟的「85後青年藝術家徵件計畫」，這一次 1% Style 帶你觀察當創作進入不同語境，台灣與世界之間的距離，如何在這樣的移動中被重新定義。

跟Elsa Wang談藝術，往往從一種很直接的感受開始。

不是理論，也不是歷史，而是一種站在作品前的身體反應——那種無法被完整說明，卻會在某個瞬間發生的觸動。她形容自己在美術館面對康丁斯基原作時的經驗：遠遠看見就開始起雞皮疙瘩，走近之後甚至會落淚，那種跨越時間與語言的力量，讓她意識到，藝術真正成立的地方，不在於被解釋，而在於感受。

這樣的經驗，後來成為她創立Bluerider ART 的起點。

但在此之前，她的人生幾乎沿著另一條軸線前進。來自台灣科技產業最蓬勃的年代，Elsa 走過創業、經營與資本市場的節奏，那是一個講求效率與複製能力的世界，每一個決策都指向規模與競爭力，時間被切分為一季一季的成果檢視。

在那樣的系統裡，很多事情可以被優化，也可以被取代。當她回頭看時，開始出現一個問題：如果一切都可以被複製，那麼什麼會留下來？

這個問題，把她帶回藝術。

一個名字背後的路程

2013 年，Elsa 在台北創立 Bluerider ART。這個名字來自她喜愛的藝術家康丁斯基於1911年發起的藝術團體「Der Blaue Reiter（藍騎士）」。對她而言，這是對其藝術觀點方向的再一次確認，康丁斯基提出「藝術的精神性」，將創作視為通往內在的途徑，也讓藝術成為一種跨越文化的語言，這樣的理解，構成了 Bluerider ART 的底層邏輯。

從一開始，這間畫廊的工作就不只是展示作品，而是處理一件更複雜的事情——如何讓不同文化之間產生理解。

當歐洲當代藝術被帶進台灣時，最直接的反應往往來自距離：陌生的形式、難以辨識的語言，使觀眾在第一時間產生疑問。Elsa 並不急著消除這種距離，她選擇的是建立「語境」，透過展覽、策展敘事與長時間的累積，讓觀看逐漸發生。十三年之後，Bluerider ART 已從台北延伸至倫敦、上海與洛杉磯，形成跨越歐亞美三洲的畫廊體系。這樣的移動，並不只是地理上的擴展，而是一種觀看路徑的建立。

在移動之中建立位置：一條走向世界的路

在最初的十年裡，Elsa 所處理的核心問題，是如何把世界帶進台灣。從歐洲當代藝術家的引進開始，她建立了一套轉譯與溝通的方式，讓原本帶有距離感的創作語言，逐步被台灣觀眾理解，這個過程需要時間，也需要耐心，觀看的方式在不知不覺中被改變。

不過，雖然做畫廊做了十三年，談到藝術家，Elsa 卻很少使用「選擇」這個詞，她更習慣將這段關係視為一種合作，「這是一段需要時間建立的理解。」起點，往往來自一件作品帶來的感受：當作品被放在眼前，即使沒有任何說明，它是否仍然成立，是否能產生某種回應，成為最初的判斷；之後的重點，則落在理解「人」如何進行創作。

創作脈絡、風格的轉變、作品之間的關係，逐漸構成一條可以被閱讀的軌跡。畫廊在這個過程中扮演的是翻譯與陪伴的角色，協助作品進入不同文化的語境，也讓藝術家在移動中重新認識自己的位置。

這樣的合作，不以短期結果為目的，而是建立一種長時間的對話。而當這條路逐漸穩定之後，另一個問題開始浮現——如果世界可以被帶進來，那麼台灣要如何走出去？

在2025年將悍圖社帶到倫敦，成為這條路徑中的一個關鍵節點。

這群在台灣藝術史中具有重要位置的創作者，長時間在本地環境中發展，其創作承載著特定時代的經驗，也保留了高度的在地性。當這樣的作品被放入倫敦 Mayfair 畫廊區時，觀眾所面對的，是一種不同於既有語言的視覺經驗，那些帶著土地感與歷史記憶的創作，在跨文化的環境中反而更加清晰。

這樣的經驗，讓 Elsa 得到一個關鍵的理解——在地性並不構成限制，它反而是一種可以被辨識的力量。一種來自文化深處的差異，讓作品在全球語境中擁有自己的位置；從這裡開始，「把世界帶進台灣，帶台灣邁向世界」不再只是方向，而是一種可以被實踐的方法。

青年藝術家：一個正在被建立的系統

這樣的思考，也延伸到 Bluerider ART 近年最重要的一個計畫——「85後青年藝術家徵件」。

2026 年，這個計畫在睽違八年後重新啟動。相較於 2018 年以發掘為主的初始形式，這一屆的徵件，更接近一個長期機制的建立：重點不再只是讓創作者被看見，而是提供一條可以走向國際的路徑。

Elsa 在過去兩屆中國徵件中，累積了大量觀察。超過千件的投件，讓她得以從一個更宏觀的角度去理解這一代創作者的狀態。她注意到，中國青年藝術家在繪畫與水墨的基礎上，仍然維持相當扎實的訓練：對媒材的掌握、技術的精準度，以及對傳統語言的轉化能力，使他們的作品在視覺上往往具有很強的完成度，而這樣的訓練背景，也讓創作在進入國際場域時，較容易被快速辨識與理解。

相較之下，台灣的年輕藝術家，則更傾向走向觀念與媒材的延伸：錄像、裝置與跨媒材的創作比例提高，作品與當代議題之間的連結更加直接。這樣的發展，使創作更貼近當代語境，也帶來更高的自由度。

這兩種路徑，各自形成不同的優勢，也帶來不同的挑戰。當創作進入國際場域時，技術語言與視覺完成度，提供了一種立即可被辨識的入口；而觀念與媒材的開放性，則需要更多時間被閱讀與理解。觀看的節奏，在這裡出現差異。

Elsa 在這樣的對照中，逐漸形成一個更清楚的判斷。對青年藝術家而言，真正關鍵的問題，並不只在創作方向，而在於如何被放進一個合適的語境之中。作品一旦離開原本的文化環境，就會面對新的觀看方式與評價標準，所以如何讓作品在不同場域中持續成立，成為創作者需要面對的現實。

也因此，Bluerider ART 所建立的，不只是展覽機會，而是一個可以讓作品在不同文化之間反覆被觀看的系統，透過這樣的移動，創作者逐漸理解自己的位置，也在過程中調整語言，在流動之中，台灣與世界之間的距離，並沒有被消除，而是被重新定義，不同的創作路徑，在同一個場域中交會。理解在這個過程中逐步發生，而差異本身，也成為新的起點。

因此，Bluerider ART 在青年藝術家計畫中所提供的，是一套完整的支持條件。創作者專注於作品，畫廊則處理如何讓這些作品進入不同場域，並在過程中持續被觀看。

這樣的分工，使藝術家能在創作與現實之間，找到一種可持續的節奏。

台灣與世界之間的距離

十三年來，Elsa 看見台灣觀眾的變化。從最初的困惑與距離，到逐漸建立理解，再到當代較為開放的觀看方式，這是一段長時間累積的過程：世代更替與國際經驗，使藝術逐漸進入更多人的日常。

在這樣的背景下，「把世界帶進台灣，帶台灣走進世界」不再只是口號，而是一種持續發生的動作。每一檔展覽、每一次合作、每一位藝術家的移動，都在縮短這段距離。

對 Elsa Wang 而言，Bluerider ART 從來不是一個已經完成的結構，而是一個仍在形成中的路徑。這條路，並不只關於藝術的流動，更關於「觀看如何被建立」。

當一件作品從歐洲進入台灣，需要一套語境讓它被理解；當一件來自台灣的創作走向倫敦，則需要另一種語境讓它被看見。這兩種方向，看似相反，實際上指向同一件事——如何讓創作在不同文化之間成立。在這樣的過程中，畫廊的角色逐漸發生轉變，它不再只是展示的空間，也不只是市場的節點，而更接近一種結構的提供者，讓作品能被放入不同場域，讓觀看得以持續發生，也讓創作者在這個過程中找到自己的位置。

這也是為什麼，從引進國際藝術，到將悍圖社帶往倫敦，再到建立青年藝術家的徵件機制，這些行動之間其實存在著清楚的連續性。它們共同指向一個更長時間的問題：在一個文化快速流動的時代，創作要如何被理解，又要如何被記住。你可以說 Elsa 所做的，並不是為某一種答案提供結論，而是讓這個問題持續被提出。透過一次次的移動與連結，讓不同文化之間的觀看逐漸發生。

在這樣的結構中，台灣不只是接收者，也開始成為輸出的節點。創作從這裡出發，進入更大的語境，同時也將新的觀看方式帶回；這條路，沒有明確的終點，它更像是一種節奏，在不同城市之間往返，在不同文化之間對話。（推薦閱讀：當創作逼近極限：《抽筋了》與郭彥甫的十年創作中的「失衡」與「恢復」）

世界走進台灣，台灣走向世界，並不是一個完成式的結果，而是一個持續發生的過程。