在 82 年華、時間流逝中裡寫一筆光｜與黃光男聊聊創作、教育與藝術的自由節奏

走進華山 1914 文創園區的紅磚六合院，推門而入，迎面是時間的味道——紅磚帶著歲月的痕跡，像沉默的筆墨留白；以漂流木製成的展架，木紋的裂痕與節理，或許還遺留著海的鹽味；畫與字不再懸掛於純白牆面，而與木頭共呼吸，像是被安放在生活裡的一部分。沒有傳統畫廊的距離感，這裡更像啟蒙時代在巴黎的「沙龍」——那種文人雅集的氛圍來自於觀者圍站、輕聲對話，像在教室裡，也像在老朋友的客廳裡談天。

黃光男的《二82年華》沙龍展，正是在這樣的空間氛圍中展開。這場展覽並非回顧性的紀念，而是一場持續的對話：對時間、對創作、對生命的「再」整理。「二82」的「二」，象徵延續與循環，也像兩條並行的時間線，一條是黃光男走過的，另一條是象徵他仍在持續前進。「82年華」則不只是年齡，而是一個創作的節點，一次將學者、文化政策主事者與藝術家三重身份，再次重新對焦的一個時間節理。

黃光男跟我笑說自己並非主動籌展：「是被邀請的。」但他看待這個展，像看待一次課題，「每一個年紀，都該重新學習。」這回，他用五十多件作品：從水墨、書法到抽象畫，與觀者一起再次回到課堂。

紅磚屋裡的課堂：藝術家在說話

「畫畫就像寫字，寫字就像呼吸。」他說話輕柔，卻字字有重量。黃光男像是回到教室的老師，指著畫作一邊談筆法、構圖，也談詩句與氣韻。這堂課沒有教科書，只有他多年積累的直覺與感悟——他談文人畫的「詩、書、畫一體」，詩是情感的節點，字是畫的骨架，而畫是字的氣息；對他而言，書法從不是附屬於畫，而是畫作的另一結構觀點。而字的行氣、墨的濃淡、筆勢的留白，與畫裡的節奏彼此呼應，「即便你看不懂中文，也能讀懂字的節奏，感覺到它的呼吸。」

這樣的語氣，既像教學，也像閒談。82歲的他，仍有一種屬於師者的俏皮與學者的嚴謹；但談創作時，從白居易談到蘇東坡，思維信手拈來，又能在一轉念間提到設計與電影的鏡頭語言。他說自己受攝影藝術與設計思潮影響，習慣用鏡頭視角思考畫面：「畫不是平面的，是被剪輯的，一幕一幕地前進。」

他用「板塊式的構成」來形容自己現在的作品：構圖像時間的片段，色塊與線條在推移。對他而言，「抽象」並非現代主義的標籤，而是節制與取捨的能力：「把必要的留下，不必要的拿掉。」那份節奏感，讓畫面不再是靜止的物，而成為時間的剎那——能流動，也能呼吸。

在他的畫作中，白色不是空白，而是留給光的位置；影，則是光的證明。畫面經常出現一種柔軟的亮度，有一種輪廓，沒有強烈的對比，卻能讓人感覺「時間在那裡」；他在跟我述說時，會指出在畫裡的大石、樹影、花或細節中的小「建築」——那不是靜物，而是「時間的流動」；你看到畫面中的層層色彩，被他稱作「板塊的移動」，我總覺得，那是時間的節拍、呼吸的節奏。這種節奏感不僅來自筆墨，也來自他的生命節奏：在書桌與畫紙之間，在研究、行政、教學與創作之間，他學會了讓時間流動、讓意念留白。

花鳥與書法之外：氣與意的載體

花鳥是黃光男最常被記住的題材，但在他看來，那只是「意」的入口：「有景，才有境界；有境界，才有美感。」他說花與鳥並不是主角，而是一個與自己內在對話的通道——通往時間、通往人心，也通往自己；他筆下的雄雞，不止是羽毛的描繪，而是清晨第一聲啼鳴的力量；一顆柿子，不只是水果，而是顏色呼吸與生活記憶的疊合：他告訴我這是老師每年送來的柿子，成了畫裡的溫度與懷舊。

這種「以物喻境」的方式，使他的作品在古典題材中仍保有現代張力。線條是呼吸、色塊是光影、詩句是心念的起伏。畫作因此成為一個劇場——有角色、有節奏、有故事。

展場中特別劃出了一個安靜的牆面，專門展示黃光男的書法作品——這是他第一次讓書法從畫作中獨立出來，成為展覽的一個篇章；沒有多餘的燈光與裝飾，用最簡單的木框裝裱，沒有金邊、絹底或題箋的點綴，觀眾走近時，能感受到紙張的呼吸與墨色的溫度，那些字有時並不端正，卻像風在紙上流動。

「我不是書法家，」他笑說，「但我寫字時，好像就是在畫畫。」對黃光男而言，書法不是展示筆力的技藝，而是一種「氣」的流動：「字要會呼吸，像人一樣要活著。」線條不求工整，而重在節奏與呼吸的感覺：有的筆畫緊促如氣斷，有的又舒展成風，乾溼濃淡之間，是時間的行進。同樣的，在畫作中也有書法，詩與字之間不分主從：詩是字的靈魂，字是詩的軀體，觀者若停留得久一些，會感受到那種交錯的節奏——像呼吸，也像一首沒有聲音的樂曲。

他提到年輕時練柳公權、顏真卿，也臨王羲之：「但後來我刻意放鬆筆勢，讓線條自己走。」「放」讓字脫離了規範，進入自由的節奏，字的偏斜、懸浮與不平衡，反而成了生命的節拍：「我寫的時候，不想寫得漂亮，而想讓字自己在說話。」這樣的作品，既像詩，也像畫。每一筆墨都像是在尋找一個節奏、一個呼吸的位置：「詩與書是畫的呼吸，畫則是詩與書的光影。」不管是書法或是畫作的落款，黃光男讓字重新回到最純粹的狀態——沒有修飾，沒有姿態，那是他一生對藝術最樸素的回答：讓時間自己說話。

留白：讓觀者進場

「畫不要說太清楚，要留白。」他輕聲地說，像是給自己的叮嚀。留白不是空白，而是邀請，讓觀者進入畫裡，帶著自己的記憶與經驗，讓作品完成最後一步。這是他長年作為教育者的思維，藝術不是灌輸，而是喚醒：「先知道你在看什麼，再練習選擇。」他比喻學習藝術像天線，「接收世界的訊號，但更重要的是選與捨，這個過程本身，就是成為『自己』的開始。」

談到作品，他的語氣一轉：「價格可以被堆出來，但價值不會跟著走。」他不斷言市場的荒誕、也不批評，只是淡淡地說：「與其追價格，不如把內在的結構練到真。」對他而言，創作的價值不是在數字，而在共鳴。畫若能感動人，就有它的價值。

紅磚屋內的光線，照在畫紙的纖維上，像是讓每一幅畫都在呼吸，沒有白盒子的距離感，取而代之的是生活的溫度。在黃光男身旁，像是看著老師指著畫中的景物，不管事那隻鳥還是那個光線，聽他解釋「板塊的移動」與「時間的剪接」，語氣輕鬆得像講故事。

這場展覽更像是一堂持續進行的課。老師邊說邊笑：「畫完一張，最希望覺得那不是我。」他說這話時語氣溫柔，像在講一個祕密——不是否定，而是留給創作的空間。「只有拉開距離，新的自己才會出現。」（推薦閱讀：與米其林主理人的一席話｜來自香港的葉銘惠，用十五年的手感記憶重現港點的靈魂）

《二82年華》不是回顧，而是一場對話。對時間、對自己、對觀看。他在畫裡寫時間，在字裡留氣息，也在留白裡讓人走進去。離開紅磚屋時，漂流木與畫作的餘韻還在空氣裡。那是一種安靜的力量，讓人想起他的一句話：「畫完之後，我希望它不是我。那才是新的。」這句話，或許正是他八十二歲時最年輕的宣言。在時間裡，他寫下的不只是一筆墨，而是從墨色映照出來的一筆光暈。